Das Labor im „Rheintor“

Auf dem Hochseil des Kunstzirkus ist nicht viel Platz: Event–Ausstellungen und trendige Messen mit immer jüngeren Künstlerstars geben weltweit den Ton an. Da müssen sich selbst Museen etwas einfallen lassen, um ihre nicht immer taufrischen Sammlungen aufmerksamkeitswirksam zu präsentieren.

Was die Artisten der Ausstellungsreihe „Rheintor“ - Linz am Rhein verbindet, ist der Rhein. Alles im Fluß, in Fluß. Das Fachidiotentum ist perdü, das Labor
dokumentiert die Durchlässigkeit zwischen den Kunstgattungen. Diese Artisten interessieren sich für eine Kunst, die nicht illustriert, sondern anders
politisch relevant ist. Es sind Künstler, die sich für Lebensentwürfe und das Zusammenleben interessieren und nicht für standardisierte Wege. Diese Art zu
arbeiten befreit diese Artisten von der Massenidentität, die just in der globalisierten Gesellschaft entsteht. Diese Artisten machen keine Kunst, um
Antihelden einer Subkultur zu sein, sondern vor allem, um die Sinngebung durch Kunst zu retten, um unter der Arbeit zu zeigen, was es bedeutet als Individuen zu überleben.

Der Geist, so hat Hegel gelehrt, ist nicht ein Ruhendes, sondern vielmehr „das absolut Unruhige, die reine Tätigkeit.“ Die Geisteswissenschaften definieren
sich mit und über Sprache, und die Sprache ist die stärkste Klammer, die die Geisteswissenschaften zusammenhält. Eine starke Klammer ist angesichts der
Vielfalt der geäußerten Ansichten über Sinn und Zweck der Geisteswissenschaften auch vonnöten. Kants Kritik der Vernunft muß in 21. Jahrhundert zu einer Kritik der Kultur werden. Es liegt ausschließlich an den Artisten, sie müssen gegen den Nivellierungstrend andere Maßstäbe setzen. Artisten wie Klaus Krumscheid, Andreas Noga, Charlotte Koons, Joachim Paul, Stephanie Neuhaus, Theo Breuer, Birgit Jensen, Francisca Ricinski, Almuth Hickl, Stan Lafleur, Dietmar Pokoyski, Enno Stahl, Haimo Hieronymus, A.J. Weigoni, Denise Steger, Peggy Neidel, Katja Butt, Heidrun Grote, Jürgen Diehl, Bernhard Hofer, Peter Meilchen, Thomas Suder und Jesko Hagen pflegen die Kunst des Möglichen – desjenigen Möglichen, das Wirklichkeit werden kann.

"Close your eyes and see", forderte Nam June Paik mit der Installation "Global Groove" und fordert eine innere Versenkung als die Abkehr von der Oberflächlichkeit. Paiks Aufforderung lässt sich auch im Medienzeitalter verstehen: als Einladung nämlich, alltägliche Bilder und Gedanken eine Zeit
lang auszublenden, um die Sinne für etwas anderes, Neues oder auch "unerhört Visuelles" zu schärfen.

Während die Frage: Was will uns der Maler sagen, verpönt ist, wird die Frage: Was wollen die Bilder? durch den Fragenden geadelt. Daß Bildern ein bestimmtes
Wollen eingeschrieben sein kann. Bilder stellen so etwas wie "Lebensformen" dar, "die durch Begierden, Sehnsüchte angetrieben werden" – geht einher mit einer Negierung des Künstlers.

Die Reihe beginnt mit „Heimspiel“ von Klaus Krumscheid / Lyrik von Andreas Noga

15. Januar ab 17.00 Uhr „Rheintor“ - Linz am Rhein

Das Rheintor im Netz: http://www.panoramio.com/photo/3082811

Nach dem erfolgreichen Auftakt der Reihe mit dem “Heimspiel” von Klaus Krumscheid
und einer Lesung von Andreas Noga steht am 19. Februar ab 17.00 Uhr die nächste
Veranstaltung ins Haus, bzw. das Rheintor.
“Keine Einsicht ohne R(h)einsicht”
lautet der Titel der Veranstaltung der Artistin Charlotte Kons und des Buchstabenmenschen Joachim Paul.

Die Vielschichtigkeit der Arbeiten von Charlotte Kons läßt staunen. Man möchte es
dem Theaterunternehmer Louis Jacques Mandé Daguerre gleichtun, dieser reichte
bei öffentlichen Präsentationen seiner Daguerreotypien Vergrößerungsgläser
herum, um das Staunen über die Detailtreue dieser Bilder noch weiter anzuheizen.
Was sich in ihren bisher bekannten Arbeiten und auf anderen künstlerischen
Feldern dieser vielseitigen Artistin angedeutet hat, nimmt Kons in den
aktuellen Bildern auf, das konsequente Spiel mit Form und malerischer
Komposition. Die Photos zu „Keine Einsicht ohne R(h)einsicht“ bildet einen
Kontrapunkt jenseits des von den Polen Form und Inhalt abgesteckten Feldes in
dem sie sonst operiert. Kons stellt eine weit verbreitete Vorstellung von
Photografie in Frage: Als ein Spiegel der Wirklichkeit gebe sie wieder, was
einmal tatsächlich so gewesen sei. Alfred Stieglitz zählte auch zu den ersten
Photografen, die das Medium aus dem Dienst der Realitätswiedergabe zu befreien
suchten; seine meditativen Wolkenstudien, „Equivalents“ genannt, kann man als
impressionistische Stimmungsbilder deuten, die den Himmel als Projektionsfläche
nutzen. Gerade durch ihren genauen Blick wird deutlich, wie zentral für Kons
Arbeiten sonst Themen und Inhalte sind. Diese Artistin variiert ihre künstlerische
Positionen mit starker Geste: die Flüchtigkeit aller Dinge. Die Assoziationen
im Kopf des Betrachters angesichts dieser Ambivalenzen verselbständigen sich.
Fügt sich ein Gesamtbild zusammen?

Die Photos zu „Keine Einsicht ohne R(h)einsicht bewegen sich zwischen einem
rheinischen Formalismus und persönlich gehaltenen Serien. Es entsteht ein Feld,
das man angesichts seiner Nüchternheit, wenn nicht gar Leere nur mit Zögern ein
Bild nennen möchte. Kons erbringt mit dem Einblick in ihr aktuelles
Forschungslabor den Beweis für die Lebendigkeit ihres Werks. Ihre Bilder
reflektierten mit dokumentarischer Coolness eine postmoderne, dem ökonomischem
Kalkül völlig unterworfene Lebenswelt, dabei geht es nicht um Beanstandung,
sondern um Bestandsaufnahme. Dies verleiht ihren Aufnahmen die Aura und das
poetische Pathos. Photografische Wirklichkeit muß, mit allem was daraus folgt,
auf dem Adjektiv betont werden. Alle diese Bilder sind dazu gemacht, unseren
Blick auf hintersinnige Weise zu verführen und hierbei den Glauben an eine ins
Bild getretene Wirklichkeit grundlegend zu irritieren. Und vor allem sind sie
eine Aufforderung, bei Betrachtung der Photografie doch noch einmal ein
Vergrößerungsglas zur Hand zu nehmen.

Matthias Hagedorn

Wer dem Wort zugetan ist – und damit der Sprache, dem Geist und der Vernunft der
darf mit Fug und Recht Buchstabenmensch genannt werden. Von einem Homme de
lettres erwartet man ebenso wie vom Scharfrichter, daß er sich ständig
entschuldigt. Dieser muß Abbitte leisten, weil er zu tödlich ist, jener, weil
er nicht tödlich genug ist. Joachim Paul setzt sich bewußt mit seinen Essays
zwischen die Stühle, weil er gegen den intellektuellen Mainstream bürstet. Er
weist damit den Verdacht zurück, seine Essays seinen zu klein und zu
nebensächlich, eine seltsame, irgendwie veraltete Form des Journalismus. Seine
Essays sind kein langer Roman, auch keine wissenschaftliche Abhandlung, im
Idealfall aber verbindet er die Qualitäten der Gattungen. In seinen Essays geht
die abstrakte Reflexion mit der einnehmenden Anekdote einher, er spricht von
Gefühlen ebenso wie von Fakten, er ist erhellend und zugleich erhebend.

Versuchsplattform für sein Schreiben ist der vordenker.de. Gegründet wurde dieses Forum von Joachim
Paul in der Mediensteinzeit 1996. Zuverlässig versammeln sich dort Dichter und
Denker. Joachim Paul erforscht Gebiete, die über den Rand der Buchstaben und
Texte hinausreichen. Sie dehnen sich in gewisser Weise indes sogar über die
Grenzen von Geist und Vernunft hinaus aus. In der Tradition Montaignes versteht
er den Essay als Versuch, gibt diesem aber den naturwissenschaftlichen Sinn des
Experiments, der experimentellen Versuchsanordnung und zugleich die
existenzielle Bedeutung des Lebensexperiments und vertieft beides so ins
Abgründige, dass aus dem Versuch sowohl die Versuchung wie der Versucher und
das Versucherische sprechen. Welche labyrinthischen Gedankengänge bei diesem
Auswahl– und Transformationsprozess durchlaufen werden, wie schnell ein brauchbarer
Gedanke zu Abfall und Nebensächliches fruchttragend werden kann, beschrieb
Joachim Paul in seinen Essays.

http://www.vordenker.de/

Eine Werkschau von Joachim Pauls Arbeit als Musiker findet sich unter: http://www.vordenker.de/metaphon.htm

19. Februar ab 17.00 Uhr im Rheintor, Linz

Wie kaum eine andere Werkstattgalerie in Deutschland hat ‘Der Bogen’ immer großen
Wert auf die handwerkliche Erarbeitung von Künstlerbücherm gelegt. Von den
Materialbüchern des Jürgen Diehl, über die »Schland-Box« von Peter Meilchen,
bis hin zu den Haimo Hieronymus und A.J. Weigonis Erkundungen über die
Möglichkeiten der Linie zwischen Schrift und Zeichnung findet sich eine
Vielfalt des Ausdrucks, die ihres Gleichen sucht.

Diese Tradition wird nun fortgesetzt durch Stephanie Neuhaus mit ihrem neuen Künstlerbuch. In »Fund
a Mente« geht Stephanie Neuhaus einen Schritt weiter, nutzt Zinkplatten
als Hochdruck und beschränkt sich konsequent auf die Trennschärfe
zwischen Schwarz und weiß. Der Titel verweist darauf, dass die Grundlagen
der Betrachtung schwankend geworden sind, was bleibt sind Schnitte
und Ausschnitte. Der Betrachter konstruiert seinen Sinnzusammenhang
selbst.

Das gebrochene Schwarz der Drucke lässt das neue Künstlerbuch
authentisch erscheinen, denn überall könnten diese Brüche entstehen. Mit
der Zeit ‚liest’ man sich sogar in diese eigene Ästhetik ein.

Die kurze Form ist auch Haimo Hieronymus einen Versuch wert. Seine
sprachlichen »Miniaturen« gehen ins Aphoristische. Als Sprach-Bildner prägt Haimo Hieronymus
visuelle Sprachskizzen, Polaroids der Erinnerung. Und dies in Form
eines Künstlerbuchs, das über die Edition Das Labor bestellt werden kann.

Am 19. Merz wird Haimo Hieronymus aus den „Miniaturen“ und seinem neuen
Künstlerbuch „Aquatik“ ab 17.00 Uhr im Rheintor, Linz lesen.

»Fund a Mente« von Stephanie Neuhaus in der Edition Das Labor 2011

»Aquatik« von Haimo Hieronymus in der Edition Das Labor 2011
»Miniaturen« von Haimo Hieronymus in der Edition Das Labor 2009

Die Malerei sei “stumme Poesie”, die Poesie hingegen “beredte Malerei”, hieß es im klassischen
Altertum, als man über den Wettbewerb der als verwandt betrachteten Künste
nachdachte. Birgit Jensens Bilder sind schweigsam, und doch scheinen sie zu uns
zu sprechen. Unsagbar schwer aber ist es, ihre Sprache in die Sprache der Laute
und Schriftzeichen zu übersetzen. Völlig schlüssig ist daher in ihrer Arbeit
die Auseinandersetzung mit Künstlerbüchern, das Moment zeitgebundener
Subjektivität, das in diesem Verfahren steckt, ist einzugestehen. Es findet ein
Korrektiv einzig in dem selbst wiederum schwer zu erfassenden Geist der Zeit,
in der das Bild geschaffen wurde.

In einer Situation, wo Preisrekorde auf Auktionen regelmäßig mit künstlerischer
Bedeutung verwechselt werden, bietet sich die Arbeit an Künstlerbüchern als
Nebenschauplatz an. Künstler- Maler- oder eben Künstlerbücher findet man nicht
in einem Supermarkt für Bücher.

Künstler wie Jensen sind individualistische Zeitgenossen. Weil ihre Bücher so
selten sind und meist nur in kleinen Auflagen, werden diese auch als ˜rare
books” bezeichnet. Das Künstlerbuch hat es beim Betrachter schwerer als
das Bild. Man muß es aufschlagen und kann es nicht an die Wand nageln. Jensens
Künstlerbücher sind so vielsprachig und vielschichtig wie die Sprache der
modernen Kunst und wie die der menschlichen Kommunikation überhaupt. Wenn diese
ausgestellt werden, so handelt es sich immer um einen Kompromiss, denn das Buch
will gelesen, berührt werden, hier muß man es allerdings schonen. Jensens
Künstlerbücher sind ein eigenständiges Genre der bildenden Kunst.

Bestechend in ihrer Andersartigkeit und von hohem äthetischem Reiz sind die
kurzen Geschichten und poetischen Splitter in dem Band “Auf silikonweichen
Pfoten”. Erzählungsbände fordern vom Leser mehr Konzentration als Romane: immer
neue Namen, immer neue Konflikte.

Auf den ersten Blick wirken diese Texte wie kleine Knäuel. Die Gedanken und
Sätze laufen hier in verschiedene Richtungen, scheinen weder Anfang noch Ende
zu haben. Das alles ist mehr als erträglich, weil Francisca Ricinski dafür eine
Sprache hat, die sich auf nichts ausschließlich einläßt, sondern immer mit
Augenzwinkern erzählt.

Bisweilen machen ihre Sätze Faxen, springen von hier nach dort, wieder zurück
und auch mal absichtsvoll daneben. Über feine Wortschleifen und
Bedeutungsverschiebungen verschlingt diese Rede sich immerzu neu - und läuft
doch voran.

Ein wundersames Buch. Und sehr anders. Handlung gibt es fast keine, dafür
handelt es von umso gewichtigeren Dingen, vom Leben zum Beispiel und vom Tod
und den Toten und davon, was das alles miteinander zu tun hat. Über alldem und
um all das herum bilden Humor und Traurigkeit eine Dichotomie, die das Ganze
auch da, wo es wirklich ernst ist - und wahrscheinlich ist es das fast das
ganze Buch über -, nicht ins Bierernste kippen lässt. Ihre Prosa ist raffiniert
genug, seine Form nicht einfach zu behaupten, sondern auch zu zeigen, was sie
überwinden will. Wer ihren besonderen Ton schätzt, jene Mischung aus Märchenanklängen,
sprachschöpferischem Furor, gepflegter Schnoddrigkeit und etwas manierierter
Erdenschwere, der wird mit den silikonweichen Pfoten erstklassig bedient.
Durchgehend erweist sie sich als Meisterin des zwar nicht düsteren, aber doch
gedrückten Tons.

Eines Stils, der traurig, aber niemals sentimental ist. In der vermeintlichen
Nähe zeigt sich zugleich die Ferne.

Gegen Ende wird der Ton dieser Kurzgeschichten ambivalent: Härte, gedämpft
durch Sentimentalität; Grobheiten mit einer Beimischung von Herzensgüte. Dem
Spiegelkabinett können wir bei Francisca Ricinski nicht entrinnen. Das es ist
der Kern ihres Denkens: Versöhnung von sich ausschließenden Kräften, sie zeigt,
dass die Seele mit der Zauberkraft der Kunst und der Phantasie überleben kann.

Das lyrische und das reflektierende Ich sind bei Francisca Ricinski eins. Sie
haben sich gemeinsam aus dem Korsett der Konvention gelöst.

Anders als diese möchte, widersprechen sie einander nicht. Sie bestärken
einander. Ihre Prosa kennt wohl die Frage, aber nicht die Antwort, es sei denn
Hölderlins “Was bleibet aber, stiften die Dichter”. Manches mag dann weniger
werden und vieles uns abhanden kommen, die Dichtung aber bewahrt es, indem das
Verlorene zur Kunst wird. Verklärung ist nicht die Sache von Ricinski, jedoch
die Entdeckung von Schönheit noch in den winzigsten Gegenständen und Gesten.

16. April “malschreiben” ab 17.00 Uhr im Rheintor, Linz. Mit Birgit Jensen, mit Francisca Ricinski.

Ankündigungen und Künstlerportraits: http://editiondaslabor.blogspot.com/

Das Rheintor im Netz: http://www.panoramio.com/photo/3082811

Die Deutsche Kritik neigt dazu, klüger als die Kunst sein
zu wollen. Sozusagen die Kunst und noch etwas mehr. Dabei ist sie natürlich
immer weniger, sie reduziert das Vieldeutige, kappt den semantischen Überhang,
indem sie es auf einen Nenner bringt. Auch wenn sich die Kritik selbst
künstlerisch gibt, praktiziert sie Reduktion, sie schließt aus. Die
Überheblichkeitsgeste der Kritik ist ihre Kompensation dieses Umstands. Sie
weiß das naturgemäß selbst, und sie ärgert sich grün vor Neid. Deshalb auch oft
dieser Furor sowohl des Verrisses wie des Lobs. „Ist doch nur Kunst!“, könnte
man dagegenhalten, tut doch keinem weh. Aber in beiden Fällen sind es
Machtdemonstration, die umso forcierter ausfallen, je deutlicher der Kritiker
dem Künstler zu verstehen geben will, daß er den längeren Füller hat. Insofern
steckt noch in der größten Laudatio ein Kern Verachtung.

Dies zu ändern ist im Jahr 2001 der Kunstförderer Ulrich
Peters angetreten und hat mit dem „Hungertuch“ einen Künstlerpreis gestiftet,
der in den zehn Jahren seinen Bestehens von Künstlern an Künstler verliehen
wurde. Es gibt im Leben unterschiedliche Formen von Erfolg. Zum einen gibt es
die Auszeichnung durch Preise und Stipendien, zum anderen die Anerkennung durch
die Kolleginnen und Kollegen. Dies manifestiert sich in diesem Künstlerpreis
mit spielerischer Leichtigkeit.

Die Sprache ist die stärkste Klammer, die uns zusammenhält. Ein
starker Zusammenhalt angesichts der Vielfalt der geäußerten Ansichten über Sinn
und Zweck des künstlerischen und kulturellen Lebens. Kants Kritik der Vernunft
muß im 21. Jahrhundert zu einer Kritik der Kultur werden. Es liegt nicht
ausschließlich an den Artisten, sie aber müssen gegen den Nivellierungstrend
andere Maßstäbe setzen. Künstler wie Barbara Ester, Tom Täger, Peter Meilchen,
Tom Liwa, Haimo Hieronymus, Manuel Quero, Almuth Hickl, Holger Benkel, Katja
Butt, Pia Lund, A.J. Weigoni, Thomas Suder, Peter Engstler, Woon–Jung Chei,
Denise Steger, Joachim Paul und Eva Kurowski pflegen die Kunst des Möglichen –
desjenigen Möglichen, das Wirklichkeit werden kann.

Bei aller Abgeklärtheit und Reife sind diese Artisten ein Leben
lang Wahrnehmende mit der Fähigkeit, das Wunderland des Konkreten täglich neu
zu entdecken: kommunikativ, intellektuell, kreativ, emotional. Wie die Forschung
sind sie bereichernd für die subjektive Entwicklung und für die Visionskraft
der Gemeinschaft. Sie führen eine Debatte für die gesellschaftliche
Wertschätzung der Arbeit von Künstlerinnen und Künstlern – auch und gerade
dann, wenn die Ergebnisse unbequem sind und uns herausfordern, irritieren oder
schockieren.

Die Dokumentation zum Künstlerpreis erscheint mit einem Originaldruck von Haimo Hieronymus bei der Edition Das Labor, Mülheim 2011

Zu den Würdigungen im Einzelnen: http://www.vordenker.de/hungertuch/index.html

Ein Essay zum Preis: http://www.bookrix.de/_title-de-matt…hungertuch-8220

Die ersten Gäste der neuen Veranstaltungsreihe LiteraturClubDüsseldorf (LCD) sind die Berliner Schriftstellerinnen Monika Rinck und Daniela Seel, sowie die Domstädterin Marie T. Martin.

Die Berlinerin Monika Rinck ist in der jüngeren deutschen Literatur momentan wohl die einflussreichste Dichterin, die neben dem Schreiben von Gedichten, Prosastücken und Essays, immer auch zwischen den Künsten agiert, die zeichnet und performt oder alles zusammen, wie bei der von Monika Rinck mitbegründeten "rottenkinckshow", einem furiosen Bühnenprogramm aus Kunst, Musik und Literatur.

Die Dichterin Daniela Seel bislang vor allem als die Initiatorin und Möglichmacherin der jungen Berliner Literaturszene bekannt, als Verlegerin des kookbooks Verlages, der inzwischen eine feste Institution geworden ist, stellt in Düsseldorf ihren soeben erschienen Gedichtband „ich kann diese stelle nicht wieder finden“ vor und zeigt hier ihre wichtige, eigenständige poetische Position.

Die Autorin Marie T. Martin, hat am Leipziger Literaturinstitut studiert und schreibt groteske Prosaminiaturen, Gedichte und Erzählungen. Diesen Frühling hat sie im Leipziger Poetenladen Verlag ihren Debütband Luftpost vorgelegt, aus dem sie am 3. Mai 2011 lesen wird. Sie erzählt darin von Luftpostbriefen sowie von Frauen, die in Kleiderschrank wohnen und von fliegenden Zitronenpressen. Ihre Erzählungen und Prosaarbeiten leuchten die kleinen menschlichen Abgründe genau aus und verblüffen auf eine höchst amüsante und leihtfüßige Art und Weise.

3. Mai 2011, LCD - LiteraturClubDüsseldorf. Salon des Amateurs, Grabbeplatz.

Einlass 20:00, (pünktlicher) Beginn: 20:30h, Eintritt: 5 EUR

Ein Formerfinder trifft auf einen Allegorienschöpfer. Als gegenseitig befruchtender Dialog
zwischen bildender und lyrischer Kunst sollte man das neue Künstlerbuch
»Prægnarien« verstehen. Hieß es früher „Wer nicht hören will, muss fühlen.“,
könnte man jetzt einfach behaupten „Wer nicht fühlend sehen will, muss lesen.“

Idiosynkrasie, schrieb Jürgen Habermas in seiner "Theorie des kommunikativen Handelns", ist privatistisch und
irrational. Letzterem zumindest scheinen A.J. Weigoni und Haimo Hieronymus
zuzustimmen, wenn sie über ihr neues Künstlerbuch »Prægnarien« sagen, es habe
nichts mit Logik zu tun.

Hieronymus mag das Individuelle des Strichs, empfindet im Glattgebügelten
reiner Ideenkunst beliebige Langeweile und gähnende Austauschbarkeit. Weigoni
verachtet die Bewertungskultur der Medien. Beide Artisten wollen als Künstler
nicht bewundert, sondern in treusorgender Ironie betrachtet werden, ein
Augenzwinkern nicht ausgeschlossen.

Als Formenfinder verknüpft Hieronymus bei dem Künstlerbuch »Prægnarien«
Drahtzeichnungen von formierten und deformierten Figuren mit Prägedrucken.
Bilder sind für ihn taktiler Stoff, kein abstraktes Anschauungsmaterial.
Material, das zerstört werden kann, um es neu zu fügen, andere Gedanken zu
formulieren, neue Zusammenhänge zu erschließen. Hieronymus zerlegt den Wert
des Authentischen und differenziert klar nach dem, was anwesend und was
anschaulich ist. Dabei entsteht ein subtiler Dialog zwischen Bild und
Betrachter, zwischen Materie und Fügung. Anstatt eines beliebigen Dekors der
Geschwindigkeit entsteht eine leise Schwingung, eine Vibration in der
Oberfläche von Bild und Text. Diese fügt das Bild zusammen, nicht Linien
oder Linienkonstrukte für sich: Sie sind eingebunden in eine Gesamtabsicht
der Komposition. Aufgelöste Flächen in beständigem Schwingen, im Gespräch
mit den Lineaturen.

Weigoni veranstaltet in diesen »Prægnarien« ein furioses Stimmenkonzert aus
Reimen und Kalauern, den Tücken der deutschen Grammatik und ihren
Wortzusammensetzungen. Es gibt in diesen Gedichten Buchstaben als etwas
Hörbares und Buchstaben als etwas Sichtbares. In der künstlerischen
Auseinandersetzung treffen sich Weigoni und Haimo Hieronymus regelmäßig an
der Grenzlinie, dort, wo Schrift in Zeichnung übergeht und dort, wo der
Zeichenstift in die Notate übergeht. Unser Visualisierungssystem benutzt
Linien, um die Dinge zu begrenzen und damit zu zeigen, dass sie da sind.
Aber wenn das System nicht weiß, was etwas ist, dann kann es das auch nicht
erkennen und dir sagen, was es ist. So ergibt sich für den Nutzer des Buches
die Notwendigkeit der Begreifbarkeit eines Schattens

Weigoni und Hieronymus gehen daran, dass Exotische zu vereinnahmen und das
Randständige in die Lyrik des 21. Jahrhundert in Form des Künstlerbuches
»Prægnarien« einzugemeinden. Ausnahmeweise gaben sie Habermas Recht, die
Exekutive einer auf den privaten Raum ausgerichteten bürgerlichen
Distinktionsmaschinerie hört gemeinhin auf den Namen "Guter Geschmack".

Begleitet werden Weigoni und Hieronymus bei der
Veranstaltung in Linz von Philip Bracht. Dieser Posaunist ist Teil der Band
accord on bleu, die dieses Jahr die CD Funkreich veröffentlicht hat. Er
beschäftigt sich mit Jazz und Funk Improvisationen und geht dabei meisterhaft
mit seiner Hupe um. Durch die absolute Spielfreude, die Sucht nach Musik und
seine fast schon penetrante Bühnenpräsenz (Fans sprechen von einer absoluten
Rampensau) schafft er es die Zuhörer mitzureißen. Ihn von der Bühne zu kriegen,
wenn er einmal angefangen und die richtige Laune hat, ist fast unmöglich. Bei
einem seiner legendären Konzerte machte er erst nach fünf Stunden Schluss und
das auch nur, weil er dazu genötigt wurde. Das kann ein heiterer Abend werden...

30. Juli „Praegnarien“ von Haimo Hieronymus und A.J. Weigoni, ab 17.00 Uhr im Rheintor, Linz

Ankündigungen und Künstlerportraits: http://editiondaslabor.blogspot.com/

Das Rheintor im Netz: http://www.panoramio.com/photo/3082811

Mehr über Künstlerbücher: http://http://www.bookrix.de/_title-de-matt…uenstlerbuecher

Einer fragmentierten Welt eine neue Struktur durch Denkgitter geben, dieser Aufgabe
stellt sich die Künstlerin Denise Steger. Die Flut der Bilder, die das
Internetzeitalter bestimmt: Verkleinerungen und die dem entsprechende
Vermehrung optischer Reize sowie die Schnelligkeit der Bildübermittlung -
erfordern ein neues Sehen und ein anderes Denken, welches zukünftige
Generationen sicher beherrschen werden. Ihre Werke brauchen dieses ‘neue
Hinsehen’ als Voraussetzung für das Bildverständnis. Stegers Kunst liegt nicht
in der Beschränkung, sondern darin, sich der Vielfalt zu stellen. Die Tendenzen
der ‘Reduktion’ in der Kunst des 20. Jahrhunderts werden von ihr zu Beginn des
21. Jahrhunderts umgekehrt: Komplexität wird bei dieser Artistin zur formalen
und inhaltlichen Grundlage.

Ihr Studium der Kunst-, Literatur und Musikwissenschaften an der Universität Bonn
führte die Artistin zur Auseinandersetzung mit Kunstprinzipien des Mittelalters
und system-theoretischen Interpretationsansätzen. In ihren künstlerischen
Arbeiten entwickelt sie Konzepte, in denen korrespondierende Bild- und
Objektsysteme unter thematischen und persönlichen Aspekten ausgewählt und auf
vielfältige Weise kombiniert werden. Diese Tätigkeiten erstrecken sich von
kleinformatigen Zeichnungen bis zu raumgreifenden Installationen. Die
Bildordnung erfolgt im ‘freien Raum’ - bestimmt durch Farbflächen und
Liniengerüste.

Ihren Denkgittern liegen Baugitter zugrunde, deren Stäbe sie teilweise herausbrach,
teilweise mit Objekten und Bildern füllte, sie mitten in einen Raum stellt oder
hängt. Auf diese Art und Weise ergibt sich ein durchlässiger Bildgrund, der
alles, was im Raum geschieht und gesagt wird, sei es Musik, Literatur, Bewegung
und natürlich den Raum selbst, in sich aufnimmt und weitergibt. Die Vielfalt
der Schöpfung in ihren Systemen und in der Verbindung von Systemen ist ein
Beweggrund zur Darstellung. Individualität und Einzeldarstellungen treten
zurück gegenüber einer Gesamtschau jenseits der real erfassbaren Welt. Stegers
Bilder und Objekte stehen nicht für sich selbst, sondern werden unter
thematischen oder auch persönlichen Aspekten in größere Zusammenhänge gestellt.

Das Brennglas der Sprache

Wann ein Gedicht gelungen ist, läßt sich pauschal kaum mehr sagen. Eine normative Poetik ist seit 250 Jahren ein
undurchsichtiges Unterfangen. Die Gedichte von Peggy Neidel sind interessant, weil sie eine
Ganzheitlichkeit von sinnlicher Erfahrung und von Sprachgenauigkeit und von
Welterfahrung haben. Bei ihrer polytropischen Lyrik tut sich ein Riß auf, in
dem ein Abgrund sichtbar wird, in dem uns die Folgen der Aufklärung
zurückgelassen haben. Die Freuden des Lebens treffen auf das Leid der
Geschichte. Man liest überall Zeichen der Vergänglichkeit, der Verlassenheit
und der Bedrohung des Gewöhn­lichen und hält erschrocken inne.

Deutungsvarianten tragen immer Unwägbarkeiten in sich. Neidel Klangrede negiert die romantische
Immanenzen keineswegs. Es tönt ein von Trauerklang gefärbtes Indiz dafür, daß
hier etwas zu Ende geht, was noch nicht zu Ende gelebt, geschweige denn zu Ende
gedacht war: Vom Sehnen erzählen ihre Gedichte. Und genau das ist es, was hier
geschieht. Die Menschen sehnen sich. Diese Augenblicke des jähen Erkennens,
diese Augenblicke der Vergewis­serung, daß die Einsam­keit des Menschen in der Welt nicht aufhebbar ist, haben sich in die
Gedichte von Peggy Neidel eingeschrieben.

20. August “Denkgitter” von Denise Steger, mit Peggy Neidel ab 19.30 im Rheintor,
Linz am Rhein
Ankündigungen und Künstlerportraits: http://editiondaslabor.blogspot.com/

Das Rheintor im Netz: http://www.panoramio.com/photo/3082811

Katja Butts Kunst fordert den Betrachter heraus, mehr von
dem, was er sieht, auch ernst zu nehmen. Wir leben in einer bilderreichen Zeit
und lassen uns von einer Pixelflut durch die Tage schwemmen. Die Videokünstlerin,
Zeichnerin und Photographin Katja Butt befragt die umbaute Bewegung in einem
Akt der Dissidens und bringt damit Bewegung in die starre Architektur. Transformation,
lautet das Stichwort.

Die raumbezogenen Videoinstallationen von Katja Butt
verwandeln die statische Architektur des Ausstellungsortes in ein dynamisches
mediales Gefüge, in dem Außen und Innen, Oben und Unten, Gestern und Heute zu
einer Einheit werden. Eindringlich minimalistische Videobilder werden zu
rhythmisch strukturierten Sequenzen komponiert, die sich über mehrere Monitore
hinweg zu einem geschlossenen Ablauf verbinden. Der einzelne Monitor
funktioniert als gestalterisches Element und jenseits einer untergeordneten
Funktion als neutraler Rahmen der Begrenzung eines Bildfeldes. In der
Präsentation verschmelzen Raum, Bild und pointiert gesetzte Akustik zu einer
neuen Dimension, zu einem eigenständigen Körper, dessen einzelne Bestandteile
voneinander abhängig sind und sich gegenseitig beeinflussen. Am Ende bleibt die
Kamera im wahrsten Sinne des Wortes ein Werkzeug, ein Instrument, das man
beherrschen muß, um mit ihm Sinnlichkeit darzustellen. Der Eros der Kunst von
Katja Butt liegt in der Biologie der Existenz: der puren Freude und der Lust an
Fleisch und Geist! Es verbleiben Pfeile mit Widerhaken, die lange im Gedächtnis
des Betrachters verankert bleiben.

Heidrun Grote ist es leid, nur als Gesichtsverleiherin
gefragt zu sein. Als darstellende Künstlerin, liebt sie die Literatur und leiht
ihre Stimme gern einer Rolle, aber genauso gern einem Dichter. Daher ist
Heidrun Grote das vernehmliche Gehör zu schenken. Diese Rezitatorin ist eine
ironische Realistin, sie hat eine Stimme, die alle Nuancen der Welt- und
Ich-Erfahrung aufnimmt und in Sprachklang umsetzt. Sie bringt die
Ausdrucksebenen von Sprache und Gesang so amüsant wie gekonnt zum Schwingen.
Grote trägt Literatur nicht einfach vor, sie gestaltet und verwirklicht sie.

Es gibt keine Stimme, zu der wir uns neutral verhalten
können: Entweder wir lieben sie oder nicht. Grote hat wie kaum eine Rezitatorin
sonst begriffen, daß Literatur Mundwerk im buchstäblichen Sinn ist: Es entsteht
im Rachenraum. Da zischt und schnattert, da hämmert's und gurgelt es. Manchmal
versteht man nicht den Sinn, aber die Gedichte sind durch den Sprachgestus und
-duktus immer evident. Unangestrengt schafft sie gesprochene Sprachkunstwerke.
Das Mondäne vereinigt sich mit dem Musikalischen, der Intellekt mit dem
Sinnlichen. Ihre Stimme erzeugt eine atemberaubende Intimität. Sie ist weich
und schwingend wie der Körper einer Katze, und sie kann kalt leuchten wie
Mondschein. Aber vor allem ist sie groß, wenn sie leise spricht. Dann bricht
sie manchmal und zeigt raue Stellen; sie entzieht sich in Momenten der
Heiserkeit, um dann umso schöner wiederzukommen.

17. September „Wasserkur“ von Katja Butt, Rezitation, Heidrun Grote ab 17.00 Uhr im
Rheintor, Linz

Zu einem begehrten Sammlerstück entwickelt sich die Vorzugsausgabe von »Die Angst perfekter
Schwiegersöhne«. Haimo Hieronymus hat das Cover mit einem Holzschnitt versehen.
Der Artist verwendet damit eine traditionelle Drucktechnik um eine Graphik zu
erzeugen. Zur Herstellung des Druckstocks hat der Künstler von einem glatt
gehobelten Holzbrett mit Schneidemessern die nicht druckenden Teile entfernt
und die erhabenen Teile danach eingefärbt und abgedruckt. Der Abdruck erfolgt
durch eine Druckpresse. Hieronymus schneidet einen Holzblock so, daß eine etwa
zwei bis vier Zentimeter starke Platte entsteht, deren Fasern in der Richtung
der Bildfläche verlaufen. Am Ende dieses Prozesses bleiben die Linien und
Flächen der Zeichnung als Grate, Stege oder Inseln stehen. Bei diesem so
genannten Schwarzlinienschnitt wird die Figuration durch schwarze Linien auf
weißem Grund gebildet. Den fertige Druckstock färbt Hieronymus mit Druckfarbe
ein, was durch Aufdrücken eines faustgroßen, getränkten Ballens geschieht oder
häufiger noch durch Überrollen mit einer Walze.

„Liebevolles Verstehen“ möchte man diesem Eigenbrödler gerne unterstellen, doch Herr Nipp
würde unwirsch abwinken. Das absichtlose Herumstromern in den eigenen
Befindlichkeiten und den Bequemlichkeiten der Anderen ist im Prinzip ein Akt
fortgesetzter Selbstvergewisserung. Mit Luhmann’scher Akribie betreibt
Hieronymus eine Art von Mikro-Ethnologie, er fügt anschließend die Satz- und
Wahrnehmungssplitter in »Die Angst perfekter Schwiegersöhne« zu etwas zusammen,
das entfernt einem Handlungsablauf ähnelt. Sich dem Jetzt aussetzend, ohne die
dahinter liegende Geschichte zu vergessen.

Herr Nipp sucht in einer entgrenzten Welt Grenzen in sich. Es bleibt eine Vorstellung, die
betreten werden kann. Man kann diesen Raum durchschreiten, die Welt da draußen
vergessen, sich einfach auf die Situation einlassen, mit eigenen Bildern, den
Gerüchen und dem leicht gedämpften Klang der Außen- und Innenwelt. Im Zeitalter
der kulturellen Globalisierung und Traditionsverschiebungen bleibt der Mensch
als strauchelndes Wesen auf den Straßen der Zivilisationen zurück und sucht
nach den Bruchstücken seiner selbst. Der allseits flexible Mensch des 21.
Jahrhunderts in seiner Geworfenheit ist das Thema von Hieronymus.

»Die Angst perfekter Schwiegersöhne«, Edition Das Labor 2011

Die limitierte Sonderausgabe mit Holzschnitt kostet 25,- Euro. Die Das “normale” Buch kostet 9,80 Euro.

Ausführliche Information bietet ein Artikel im Bücher-Wiki:
http://undefined

Am 22. September 2000 startete die Wanderausstellung „UnderCover“ in Linz am
Rhein, Standort Rheintor. Die nächsten Stationen waren die Werkstattgalerie Der
Bogen in Arnsberg, mercure-Arts in Köln, der Kunstwechsel in Siegen, das Casino
in Bad Mülheim, die Mini-Pressen-Messe in Mainz und die Galerie Andreas Brüning
in Düsseldorf. Nun kehren die Arbeiten an ihren Ausgangspunkt zurück.

Das kleine Format ist bei bildenden Künstlern nicht sehr beliebt in einer Welt, in
der Aussagen nur noch auf Plakatwänden auffallen, so scheint es. Das CD-Format
ist 120 x 120 mm ein, kleines Format, das einen Versuch wert ist.

UnderCover sind und bleiben Minus-Bücher, schwarze Löcher der Buchmarktgalaxy. Sie stellen
sich den Kriterien ISO 2108-1972 und DIN 1262 mit all dem entgegen, was sie
auszeichnet: das Spiel mit den Gesetzen von Literatur, Handwerk und Markt.

UnderCover lugt über Grenzen als Multiple hinaus, wenn man Sprach- und Ordnungsmotive
durch die Gattungen dekliniert: Rauminstallationen entstehen mit und/oder den
Objektbüchern, die einen neuerlichen Zugriff auf das Medium Sprache ermöglichen.

10. Dezember „UnderCover“ im Kunstverein, Linz am Rhein
mit einer Lesung von Thomas Görden

Beteiligte Artisten: Tom Täger - Komposition & Produktion; Ioona Rauschan - Regie,
A.J. Weigoni & Eva Kurowski - Rezitation; Marina Rother als Senora Nada;
Lin Chung, Leeds; Klaus Urbons, Mülheim; Jürgen Diehl, Bruchhausen; Mike
Grunzke, Linz am Rhein, Marcel Hardung, Düsseldorf; Margarete Hesse, Berlin;
Haimo Hieronymus, Neheim; Sab Hoffmann, New York; Almuth Hickl, Düsseldorf;
Karl-Heinz Hosse, Arnsberg; Klaus Krumscheid, Heeg; Mischa Kuball, Düsseldorf;
Julia Lohmann, Düsseldorf; Martini, Dortmund; Peter Meilchen, Arnsberg;
Stephanie Neuhaus, Niederense, Deborah Phillips, Berlin; Dietmar Pokoyski,
Köln; Andreas Roseneder, Austria; Denise Steger, Linz am Rhein; Thomas Suder, Düsseldorf.

Am 10. Dezember erscheint der Katalog »Rheintor Linz - Anno Domini 2011«, der das
Rheintorprojekt dokumentiert.

Ergänzend ein Essay als E-Book: http://www.bookrix.de/_title-de-matt…kultur-betriebs

UnderCover:http://www.bilder-raum.de/html/werke.html

Kunstverein Linz: http://www.kunst-verein-linz.de/am-rhein.html

Zu begehrten Sammlerstücken entwickeln sich die Buchgestaltungen von Haimo
Hieronymus. Er hat die letzten Bucher der Edition Das Labor mit Holzschnitten
versehen. Der Artist verwendet damit eine traditionelle Drucktechnik um eine
Graphik zu erzeugen. Zur Herstellung des Druckstocks hat der Künstler von einem
glatt gehobelten Holzbrett mit Schneidemessern die nicht druckenden Teile
entfernt und die erhabenen Teile danach eingefärbt und abgedruckt. Der Abdruck
erfolgt durch eine Druckpresse. Hieronymus schneidet einen Holzblock so, daß
eine etwa zwei bis vier Zentimeter starke Platte entsteht, deren Fasern in der
Richtung der Bildfläche verlaufen. Am Ende dieses Prozesses bleiben die Linien
und Flächen der Zeichnung als Grate, Stege oder Inseln stehen. Bei diesem so
genannten Schwarzlinienschnitt wird die Figuration durch schwarze Linien auf
weißem Grund gebildet. Den fertige Druckstock färbt Hieronymus mit Druckfarbe
ein, was durch Aufdrücken eines faustgroßen, getränkten Ballens geschieht oder
häufiger noch durch Überrollen mit einer Walze.

In limitierte und handsignierte Auflage erhältlich sind diese Preziosen:

http://editiondaslabor.blogspot.com/2011/12/rheint…omini-2011.html

http://editiondaslabor.blogspot.com/2011/12/der-ku…hungertuch.html

http://editiondaslabor.blogspot.com/2011/12/herr-nipp.html

Erhältlich über: Werkstattgalerie Der Bogen, Tel. 02932 203 130

Das Hungertuch wird verliehen in der Martinskirche, Linz am Rhein am 23. März 2013 ab 16.00 Uhr

An:
Swantje Lichtenstein, Lyrik
Pyrolator, Musik
Eun-Sik Park, Choreographie
Salon Atelier, Künstlergruppe

Begleitet durch eine Ausstellung zum Thema „Hungertuch“ von Roland Baege, Anne
Bekker, Katrin, Eßer, Stefan Gutsche, Haimo Hieronymus, Nico Jarmuth,
Jascha Fidorra, Natalie Röder, Ilona Edit Kohut, Alischa Diana Leutner,
Frederic Roos, Silke Schönfeld und Astrid Sophie Wilk.

Im Jahr 2001 wurde mit dem „Hungertuch“ vom rheinischen Kunstförderer Ulrich
Peters ein Künstlerpreis gestiftet, der in den zehn Jahren seines
Bestehens von Künstlern an Künstler verliehen wird. Es gibt im Leben
unterschiedliche Formen von Erfolg. Zum einen gibt es die Auszeichnung
durch Preise und Stipendien, zum anderen die Anerkennung durch die
Kolleginnen und Kollegen. Letzteres manifestiert sich in diesem
Künstlerpreis.

Die Sprache ist die stärkste Klammer, die uns zusammenhält.
Ein starker Zusammenhalt angesichts der Vielfalt der
geäußerten Ansichten über Sinn und Zweck des künstlerischen und
kulturellen Lebens. Kants Kritik der Vernunft muß im 21. Jahrhundert zu
einer Kritik der Kultur werden. Es liegt nicht ausschließlich an den
Artisten, sie aber müssen gegen den Nivellierungstrend andere Maßstäbe
setzen.

Künstlerinnen und Künstler wie Barbara Ester, Tom Täger,
Peter Meilchen, Tom Liwa, Manuel Quero, Haimo Hieronymus, Almuth Hickl,
Holger Benkel, Katja Butt, Pia Lund, A.J. Weigoni, Thomas Suder, Peter
Engstler, Woon–Jung Chei, Denise Steger, Joachim Paul, Eva Kurowski,
Swantje Lichtenstein, Pyrolator, Eun-Sik Park und das Salon Atelier
pflegen die Kunst des Möglichen – desjenigen Möglichen, das
Wirklichkeit werden kann.

Bei aller Abgeklärtheit und Reife sind
diese Artisten ein Leben lang Wahrnehmende mit der Fähigkeit, das
Wunderland des Konkreten täglich neu zu entdecken: kommunikativ,
intellektuell, kreativ, emotional. Wie die Forschung sind sie
bereichernd für die subjektive Entwicklung und für die Visionskraft der
Gemeinschaft. Sie führen eine Debatte für die gesellschaftliche
Wertschätzung der Arbeit von Künstlerinnen und Künstlern – auch und
gerade dann, wenn die Ergebnisse unbequem sind und uns herausfordern,
irritieren oder schockieren.

Der vordere Buchdeckel ist mit einem original Holzschnitt bedruckt. Vielleicht liegt ja in solcher Art Gestaltung eine Zukunft des Buches angesichts der digitalen Möglichkeiten. Das Buch als Objekt.

Jan Kuhlbrodt

Wie
kaum eine andere Galerie in Deutschland hat ‘Der Bogen’ in Arnsberg
immer großen Wert auf die handwerkliche Erarbeitung von Künstlerbüchern
gelegt. Unbeirrt setzen diese Artisten den kulturbetrieblichen Trends
die unleugbare, virtuell nicht reproduzierbare Schönheit bibliophiler
Buchausgaben entgegen, verbunden mit einem entschleunigten Prozess der
Entstehung des Buches und einer exklusiv begrenzten, jedoch auf
Nachhaltigkeit angelegten Verbreitung.

Das benjaminsche Diktum
der Aura eines Kunstwerks reicht von den Materialbüchern des Jürgen
Diehl, über die Schland-Box von Peter Meilchen, bis hin zu Haimo
Hieronymus und A.J. Weigonis Erkundungen über die Möglichkeiten der
Linie zwischen Schrift und Zeichnung findet sich eine Vielfalt des
Ausdrucks, die ihresgleichen sucht.Das benjaminsche Diktum der Aura
eines Kunstwerks reicht von den Materialbüchern des Jürgen Diehl, über
die Schland-Box von Peter Meilchen, bis hin zu Haimo Hieronymus und A.J.
Weigonis Erkundungen über die Möglichkeiten der Linie zwischen Schrift
und Zeichnung findet sich eine Vielfalt des Ausdrucks, die ihresgleichen
sucht.

Mit dem Holzschnitt präsentiert Haimo Hieronymus eine
handwerkliche Drucktechnik, er hat sie auf die jeweiligen Cover der
Gedichtbände von A.J. Weigoni gestanzt hat. Bei dieser künstlerischen
Gestaltung sind “Gebrauchsspuren” geradezu Voraussetzung. Man kann den
Auftrag der Farbe auf dem jeweiligen Cover direkt nachvollziehen, der
Schuber selber ist genietet. Und es gibt keinen Grund diese Handarbeit
zu verstecken.

Alle Exemplare sind zusammen mit dem auf vier CDs
erweiterten Hörbuch erhältlich. Darauf auch die Produktion Unbehaust,
sie provoziert mit einem stream–of–consciousness durch Inhalte und nicht
durch Dolby–Surround. Der Mülheimer Komponist Tom Täger hat
ausschließlich Papiergeräusche verwendet. Die Asiaten verehren das
Papier für diese Schwäche, Papier hat sich auf die Seite unserer
Verwundbarkeit und Sinnlichkeit gestellt. Papier fühlt sich angenehm an
und riecht gut. Papierseiten entsprechen dem menschlichen Lesetempo,
unserem Rhythmus.

Präsentation am 22. April, ab 17:00 Uhr im Kunstraum Krumscheid, Rheintor Linz, Burgplatz 1 / 53545 Linz am Rhein